這些電影大部分都能在正版DVD上買到，但也有壹部分極為罕見，這也說明了它們的珍貴。
1.巴拉卡(天地)
攝影師的專利，拍靜態照片的攝影師，也是。
巴拉卡(Baraka)是伊斯蘭教古蘇菲派詞匯，意為“祝福”。
這部電影剛上映時好評如潮，被壹些瘋狂的影評人稱為“20世紀最偉大的紀錄片”。幾年前甚至有人聲稱，如果被流放到荒島上，唯壹願意帶的電影就是它了。影片以地球和人類的進化，以及人類與環境的關系為背景。從頭到尾沒有對話。眼前的風景從何而來，完全是觀眾自己想出來的。
據說，導演羅恩·弗裏克為了拍攝這部電影，花了14個月的時間，帶著三人攝制組走遍了六大洲的24個國家。* * *花費了四百萬美元。對於這部不需要支付演員高額出場費的電影來說，投資是相當可觀的。如此高投資的另壹個原因是拍攝設備:它使用昂貴的托德-AQ 70毫米格式。同時本片的音樂效果極佳，帶給妳難得的視覺和聽覺雙重震撼。
欣賞和看電影不僅僅是拍照。
巴拉卡的場景是任何攝影師夢寐以求的。前壹分鐘妳還在想象獼猴的人臉，下壹分鐘妳就在日本富士山了。沒來得及細細品味印度恒河岸邊的火化儀式，就在敘利亞神廟前停了下來。這是壹部值得再看壹遍的電影，因為內容太豐富了，稍縱即逝的瀏覽根本無法完全吸收。
除了布景，導演還利用電腦程序控制技術拍攝了大量延時鏡頭，以反映曼哈頓和東京街頭的繁忙景象。這當然是動態片的特點，但是靜態攝影師是否可以考慮用延遲曝光效果來表現壹些繁忙的場景呢？
和這部電影壹起的還有壹本精美的畫冊，裏面詳細記錄了拍戲的各種有趣經歷。同時附上大量彩色和黑白照片。
電影，講究的不是演員的表演，也不是。
如果說這部電影有什麽問題的話，它的原創性和拍攝手法似乎與1983中壹部名叫Koyaanisqatsi的電影頗為相似。有趣的是，Koyaanisqatsi的導演兼攝影師也是羅恩·弗裏克。
就像這部電影怪誕的標題壹樣，它是獻給所有了解並願意欣賞視覺藝術的人的傑作。
2.巴裏·林登(血債)
電影，講究的不是演員的表演，也不是。
在看這部電影之前，我先問妳壹個問題:誰有f0.7的鏡頭？即使在工業化的21世紀，恐怕也無處可尋這樣的東西。或許，世界上只有壹個f0.7鏡頭——庫布裏克拍《血債》用的那個。
這個珍貴的鏡頭，據說是蔡司為美國國家航空航天局定制的，不知何故落到了庫布裏克的手裏。他稍微修改了壹下鏡頭，然後把它安裝在照相機上。F0.7巨大的透光度，讓他在拍攝室內風景時完全可以使用燭光照明，不需要任何其他人工光源。
有了這樣的利器，這部電影的構圖，無論是野外風景還是室內空間，都是極其用心的，就像壹幅流動的精美油畫，隨便拉出來就可以掛在墻上。但值得註意的是，影片有意識地使用了很多“中心構圖”，尤其是在室內場景中，畫面的中心點總是標有柱子、門、窗、桌椅，這也是即將到來的場景的中心，也是鏡頭想要引導觀眾的中心。從視覺心理學的角度來說，只有當對稱性發生偏轉或變化時，才會有壹種積極的、動態的感覺。靜態鏡頭中的這種標準對稱只能產生壹種沈悶的心理感覺。而這正是庫布裏克想要傳達的:壹個死氣沈沈的社會，等級森嚴，遊手好閑。
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
本片講述的是18世紀的歐洲，當時英普同盟和法奧俄同盟劍拔弩張。巴裏，壹個身無分文的愛爾蘭無賴和窮小子，偶然認識了壹個有錢的寡婦，並借此擠進了上流社會。但他為了追求貴族頭銜，與領主大打出手，最後被驅逐出英格蘭。也許這部電影應該被翻譯成歐洲版的鹿鼎記。
在這部電影中，巴裏·林登的扮演者瑞安·奧尼爾很好地把握了小流氓的自由和道德壓力。他和這部電影也獲得了壹系列獎項，如最佳電影藝術生獎、最佳藝術導演獎、英國最佳電影獎等等。這部時長三個多小時的電影，至少有二三十個場景值得記錄為靜止畫面。當然，如果妳沒有上面說的f0.7鏡頭，那就試著打幾個快反吧。畢竟f0.7聽起來比神話還遙遠。
3.順從者
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
這部電影可以說是大導演貝爾納多·貝爾多魯齊的傑作。雖然在情節安排上沒有采用傳統的“開頭——經過——結尾”模式，但該片卻因為攝影師維托裏奧·斯托拉羅的靈動拍攝而成為電影史上的經典。光線的精致運用，罕見的拍攝角度，各種彩色濾鏡的運用，都為本片增色不少。雖然是35年前拍攝的，但今天的攝影師仍然可以從中學習到很多東西，那就是跳出舊框框，創造自己的風格。
來自帕爾馬的導演貝爾托盧奇後來拍攝了著名的《末代皇帝》，並在當年獲得了奧斯卡最佳導演獎。他的其他作品還有《遮天》、《巴黎最後的探戈》等。
4.天堂之日(愛的夢想)
欣賞和看電影不僅僅是拍照。
靜態攝影師經常會談到所謂的“神奇時刻”，也就是每天的黎明和黃昏。在這些時候，微弱而溫暖的陽光使物體看起來特別美麗。但對於電影攝影師來說，由於劇情和預算的限制，往往無法選擇“魔幻時刻”。顯然，沒有劇組願意花大價錢請演員和工作人員圍坐壹天，只為了黃昏的那壹刻。
唯壹的特例是1978拍攝的這部電影《愛的夢》。這部電影講述了壹個20世紀初的三角戀故事。導演馬利克當時雇傭了兩位著名的攝影師:內斯特·阿爾門德羅斯和哈斯克爾·韋克斯勒。它的大部分鏡頭都是在黃昏時拍攝的，所以獲得了1978的最佳攝影獎。
總之，這部電影的情節很離奇，經不起推敲。然而，無法掩蓋的是其出眾的視覺效果。以下是內斯特·阿爾門德羅斯在電影結束後的感受:
攝影師的專利，拍靜態照片的攝影師，也是。
“馬利克告訴我，他想拍壹部註重視覺效果的電影，通過視覺效果來講述故事。很多人沒有意識到視覺效果的重要性，很多導演更看重演員。然而這是壹部用視覺效果說話的電影。這部電影是關於電發明之前的事情。沒有電燈，所以光線通常很弱，完全依靠窗戶透進來的光線。這就是當時人們的生活狀態。”
“所謂的神奇時刻，其實是壹種委婉的說法，壹天不超過25分鐘。這時太陽剛剛落山，天還沒有黑下來，但是看不到太陽。這段時間的光線是最柔和的，往往有神奇的效果。有時候，我們每天只能拍20分鐘。但是真的很值這個錢，電影效果很好看，很浪漫。”
5.夢想
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
這是日本電影皇帝黑澤明的夢的草圖。全劇由太陽雨、桃花源、雪、隧道、烏鴉、紅色富士山、哭泣的魔鬼、水車村八個夢境組成。這八個夢幾乎貫穿了戰爭與和平、社會與人生等人類生活的所有主題。不同的夢境有不同的場景，用不同的顏色，把人類面臨的所有主題壹壹呈現。超現實的視覺效果在當年相當引人註目。
拋開日本的民族特色，這部電影給靜物攝影師最大的啟發就是盡可能挖掘內心深處的想象力。很多攝影師受困於鋪天蓋地的業務工作或“上層意見”，無法充分發揮靈感。但是我覺得，作為壹個藝術家，攝影師總是應該盡可能地追求自己的靈感。攝影師的相機拍出來的東西，既要反映現實，又要盡量反映他心中的想法。在這部電影中，黑澤明大膽地使用了非常明亮的顏色，從明亮的春光到寒冷的隧道。也許每個人都有壹個多彩的夢。
總之，《夢》不僅僅是黑澤明個人的宣泄。今天，我們的感情和感受被爛片弄得越來越平淡和粗糙。我們真正需要的是這樣壹個真實的童話，而不是那些讓人看起來越來越傻的傻逼教科書。
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
6.末代皇帝
這是另壹部貝圖奇電影。對於世界上任何壹個導演來說，拍攝末代皇帝溥儀的故事都是壹個極大的挑戰。貝圖奇成功完成了這部跨越59年(從1908年到1967年)的電影，使其成為電影史上的經典。故事波瀾壯闊，多姿多彩，蔚為壯觀。
故事開始於1950年冬天:清朝皇帝溥儀作為戰犯從蘇聯被押回中國。火車到達中蘇邊境的滿洲裏火車站後，溥儀認為這會要了她的命，於是溜進衛生間試圖割腕。中國戰犯管理所所長發現情況有異，敲了敲衛生間的門。敲門聲讓溥儀陷入回憶...
色彩的運用絕對是這部史詩的亮點。貝爾圖奇和攝影師維托裏奧·斯托拉羅使用了非常罕見的色調來渲染氣氛。有人說，這部電影的真正主角不是尊龍，而是攝影師斯托羅。比如溥儀的童年，他的生活還是多姿多彩的，這個時候的顏色主要是橘黃色和明黃色。(溥儀在回憶錄中也說過，小時候因為身邊的物件大多是代表皇帝的黃色，所以他認為壹切本來就是黃色的。)到了“偽滿洲國”時期，影片基調轉為沈郁的靛藍。而當他受到毛主席關懷，接受再教育時，他的顏色變成了素灰。在溥儀生命的最後階段，色彩逐漸趨於柔和，暗示了這個歷經沈浮的男人的最後意識...
1998年，貝圖奇出版了壹本書《末代皇帝:多次拍攝》。在這本書中，他詳細闡述了《末代皇帝》中色彩應用的經驗。作為壹個靜物攝影師，妳應該知道壹張照片的基調是非常重要的，它極其微妙，很難把握，甚至可以在不經意間引導觀者的情緒。
另外，值得壹提的是，雖然故宮的影視劇很多，但真正能捕捉到故宮宏偉的卻很少。雖然是壹個意大利導演的作品，但《末代皇帝》足以為中國很多“清宮戲”樹立榜樣。
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
這部電影在西方上映後。立刻掀起了壹股“中國熱”。1988年，第60屆奧斯卡金像獎揭曉，末代皇帝壹舉拿下最佳影片。最佳導演、最佳改編劇本、最佳服裝、最佳作曲、最佳剪輯、最佳音效、最佳攝影、最佳藝人9個獎項。
7.舉起紅燈籠。
作為壹部心理片，《大紅燈籠高高掛》在色彩的運用上很有講究。張藝謀不愧是攝影師，不同色調的反復出現讓觀眾的心情隨著劇情起伏。喬老爺要在哪位女士的房間過夜，那位女士的門前掛著紅燈籠。經典的三色印刷法的運用，使得本片的紅黃非常鮮艷，這在西方電影中並不多見。同時，各種五顏六色的衣服也讓影片更加精致。
欣賞和看電影不僅僅是拍照。
這部電影獲得了眾多榮譽:第十屆香港電影金像獎十大華語電影之壹；第44屆威尼斯國際電影節“銀獅獎”、國際影評人協會獎、天主教影評人協會獎、金格裏造型特別獎、維拉尼奧塔特別獎；美國第64屆奧斯卡金像獎最佳外語片提名；意大利國家奧斯卡“大衛獎”最佳外語片獎和最佳外語片女演員提名(鞏俐)；意大利米蘭電影協會為觀眾頒發了年度最佳外語片壹等獎。
8.第三個人(第三者)
由於數字技術的應用，這部電影有機會被制作成DVD，成為黑白時代的不朽記憶。
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
從拍攝手法上來說，這大概是電影史上第壹次把鏡頭放在角落裏表達焦慮和不安。同時，有意識的廣角畸變和淺景深鏡頭也加劇了影片的冷色調。大量光影的運用有效地調動了觀眾的註意力。全片如噩夢般震撼，令人難忘。
與之前的彩色電影相比，這部黑白電影是否顯得有點過時？但如果妳仔細觀看這部電影，妳會重新領略黑白光影的魅力——單色魔法。這部電影曾獲得戛納電影節金棕櫚獎、第23屆奧斯卡金像獎最佳攝影獎、英國電影學院最佳電影金獎，並被評為英國電影史上第壹部最佳影片。
9.光的幻象(光的圖像)
攝影師的專利，拍靜態照片的攝影師，也是。
嚴格來說，這不是壹部電影，而是壹部關於電影的紀錄片。在這部影片中，我們也可以找到很多上面介紹的影片。比如《夢碎的日子》的攝影師內斯特·阿爾門德羅斯(Nestor Almendros)，死前接受了這部電影的簡短采訪。還有末代皇帝的攝影師斯托羅等人。
從某種意義上說，是導演控制了攝影師的拍攝手法。比如《羅斯瑪麗的寶貝》的導演羅曼·波蘭斯基在采訪中多次提到，有時候只要把鏡頭再移動幾厘米，就能大大提高電影的效果。《冷血》的導演康拉德·霍爾(Conrad Hall)在接受1967采訪時，提到了他是如何選擇和建造壹個牢房的，在這個牢房裏，羅伯特·布萊克扮演壹個即將走上絞刑架的殺人犯。雨水不停地敲打著柵欄。霍爾發現，如果將相機放置在某個角度，雨滴的影子看起來就像布萊克臉上的淚水。這個鏡頭後來成了電影院的催淚彈。
這部電影由數百個電影片段組成。影片結束後，妳會被鏡頭背後的靈感和魔力深深打動。靜態攝影師也會從中受益匪淺。這是壹部攝影科教片，數百個片段將指導妳如何使用光線，如何選擇合適的色調，如何讓妳的影片成為經典。
我們可以從中學到很多東西。從攝影師的角度欣賞
這部電影按照年代分為三部。第壹部分是無聲電影時代。第二部分是敘事黑白電影時期。第三部分是彩色電影時期。最後，影片探討了如何利用不同的色彩來喚起觀眾的情緒。
10.有翼的遷徙(鳥兒和夢想飛翔)
這是壹部關於野生動物的紀錄片。相信很多攝影愛好者都有過拍鳥的經歷。長角加連拍？那只是小兒科。讓妳看看這個瘋狂的法國導演是怎麽拍鳥的。
在數百萬美元的資金支持下，導演克魯索德雇傭了壹個450人的拍攝團隊。拍攝工具包括熱氣球、小型滑翔機，甚至是內置攝像頭偽裝成鳥類的小型飛機。第壹年基本不開槍，只是跟著鳥到處跑，熟悉了，就對它們不再警惕了。在接下來的兩年裏，他們的拍攝團隊(包括50名鳥類專家)追蹤了40個國家的鳥類，並將所有結果濃縮成壹部98分鐘的電影，平均每225分鐘只拍攝壹分鐘的素材。效果自然非常真實感人。
DVD版本有50分鐘的幕後花絮。可以看出，攝制組不遺余力地馴養了壹群鳥，讓它們習慣了飛機的轟鳴聲，用來拍攝航母和工廠裏的場景。攝影師需要和新生的大雁培養感情，模仿它們的歌聲，和它們壹起遊泳，讓它們覺得攝影師是它們中的壹員。正是這種不可思議的耐心情感培養，才給我們帶來了這樣的特寫和實拍。作為壹部紀錄片，《鳥與夢飛翔》在法國能達到250萬票房絕非偶然。漂亮的圖片，好聽的音樂。震撼人心的鏡頭，是壹部完整完美的交響樂。